Ejemplos De

El renacimiento surge en Florencia, Italia, a principios del siglo XV como un movimiento cultural y artístico que se proponía rescatar la intelectualidad y la cultura del estado de oscurantismo en el que la había sumido la edad media.

¿Qué es el renacimiento?

El renacimiento es un período histórico que marca el inicio de la edad moderna. Puede definirse como movimiento cultural pero a su vez va más allá ya que tuvo implicaciones en el modo de vida de las personas, en sus costumbres y tradiciones religiosas e incluso a nivel político.

Visto de un modo más amplio, el renacimiento es una época o período histórico en el cual hubo un marcado realce, un “renacer” de las bellas artes, el pensamiento libre y antropocéntrico, la filosofía y las ciencias. Igualmente un período de cambios sociales.

Como movimiento marca el inicio de la edad moderna, gracias a su fuerte influencia en el pensamiento y las costumbres. Viene a ser un punto divisor entre las costumbres y las formas de vidas centradas en las costumbres religiosas y abre el paso a la modernidad al concebir al hombre como un todo.

¿Cuáles son las diferencias en el arte entre la edad media y el renacimiento?

El arte que se generaba en la edad media estaba muy marcado por la visión teocentrista y religiosa. Lo que presentaba en cierto modo un opacamiento de las capacidades intelectuales y de la visión del hombre como ser libre e independiente.

Si bien el arte siempre ha buscado manifestar nuevas formas de interpretación del mundo y de las realidades, respondiendo a las tradiciones anteriores o a los movimientos culturales previos, en el caso del renacimiento esta respuesta se realizó de un modo más consciente.

Ante la visión tan subordinada del hombre a los principios religiosos y morales, el arte renacentista comenzó a mostrarse más libre de los preceptos religiosos y empezó a cultivar nuevas formas de presentar la vida, el cuerpo humano y los sentimientos.

Para ello se centró en la revisión de las propuestas literarias y artísticas de la Grecia clásica y comenzó por esbozar en la pintura y la escultura esas líneas griegas a la vez que incorporaba nuevos elementos más libres y abiertos.

Contexto histórico del renacimiento

El renacimiento propiamente surge a mediados del siglo XV, se desarrolla a lo largo del siglo XVI y culmina entrando el siglo XVII. No obstante ya habían ocurrido algunos intentos en los siglos XII y XIII de renovación por parte de algunos artistas.

A principios del siglo XV en Florencia, surgió el renacimiento. El arte se vio cargado de elementos que rescataban la escultura y la visión griega junto con nuevas formas expresivas. Este tipo de arte se movió rápidamente hacia todo el continente europeo.

En parte su rápido desarrollo se debió a los patrocinios que tuvieron los artistas por parte de acaudalados mecenas que les brindaban su protección y encargaban constantemente pinturas y construcciones arquitectónicas para sus palacios.

Reyes, príncipes e incluso Papas tuvieron gran influencia en la expansión del renacimiento como un movimiento cultural.

Si bien el renacimiento buscaba renovar el ambiente artístico y cultural de la época por medio de su apertura a una sensualidad más abierta, a un vivir la vida sin tantas limitaciones y libres de los preceptos católicos del pecado y las culpas, fueron los mismos Papas del Vaticano quienes brindaron su mayor apoyo.

Un apoyo al arte en sí, no a la forma de vida que proponía el movimiento y que comenzaba a mostrarse indiferente con las tradiciones religiosas. Por ello, el papado convoco a artistas de la talla de Rafael y Miguel Ángel para decorar con su arte las estancias del palacio Vaticano y la Capilla Sixtina.

Pero lo que acontecía en el mundo más allá del movimiento cultural también formó parte de la edad renacentista. El descubrimiento de américa en 1492 trajo consigo una concepción más ampliada del mundo y sus posibilidades.

Igualmente, el invento de la imprenta hacia mediados del siglo XV de la mano de Gutenberg, que puso al alcance de todos los libros clásicos y el conocimiento.

Mientras la Iglesia perdía fuerzas en cuanto a su poder sobre el pensamiento y los estados, un nuevo modo de vida política se gestaba, con el desarrollo más marcado de las monarquías y de un estado centralizado y con grandes fuerzas militares que eran empleadas para ganar territorios.

Así el renacimiento fue ganando terreno, entre sus obras artísticas, el pensamiento más centrado en el hombre y menos en Dios, y el reciente nuevo mundo descubierto hasta donde llegaron también las influencias de esta corriente.

Características del Renacimiento

El renacimiento estuvo marcado por diversos elementos que en conjunto convirtieron a este período en una época trascendental en cuanto a la forma de ver el mundo. Algunas de las características más resaltantes de este período son:

El renacer de la estética griega

El estilo que los artistas renacentistas evocaban en sus obras era inspirado por la literatura y la arquitectura helénicas. La visión de los artistas era retomar las líneas griegas, el pensamiento filosófico, la escultura y pintura.

La idea de los artistitas era renovar el arte a partir del arte griego, hacerla renacer. Pero a su vez tomando elementos nuevos como un profundo interés por la anatomía del cuerpo humano como se vislumbra en las obras, o el interés por jugar con la luz en las pinturas.

Desarrollo del conocimiento

El interés por rescatar el pensamiento filosófico y a su vez generar nuevos conocimientos fue una constante durante la época renacentista. El surgimiento de áreas científicas como la biología, la física y el invento de máquinas fueron permitiendo el desarrollo de parteaguas técnicos, como la imprenta.

Durante este período los científicos se dedicaron al estudio de los astros, surgiendo así el sistema copernicano del universo y la teoría heliocéntrica en la que afirmaba que la tierra gira alrededor del sol.

Igualmente hubo un gran avance en áreas médicas, con innovaciones como la cirugía, estudios de anatomía y estructura interna del cuerpo humano, incluso, hacia finales del siglo XVI se creó el microscopio.

La razón sobre la fe

El período renacentista dio grandes pasos en la comprensión del hombre como un ser individual, independiente de Dios. Esto llevó a la búsqueda de respuestas científicas a los fenómenos naturales y otras interrogantes, haciendo a un lado las propuestas ya hace tanto aceptadas desde la fe.

Incluso en el sentido de la vida social y moral, la sociedad va optando por modos de vida más relajados y disolutos, sin tomar en cuenta los preceptos religiosos y la moralidad cristiana, que va decayendo como práctica social.

Vivir el momento

En correlación con la nueva forma de vida más desprendida de las normas morales religiosas, se comienza a optar por una vida más centrada en el momento presente y menos en el futuro, perdiendo de vista así la promesa de una vida eterna tras la muerte en favor de una vida placentera y centrada en el ahora.

Desarrollo social

Gracias al impacto de esta nueva sociedad que surgía, se hizo necesario desarrollar mejores formas de convivencia, nuevas leyes y hasta métodos financieros que permitieron a las personas tener un sistema social más organizado.

En este sentido, el mecenazgo como un modo de apoyo y financiamiento a los artistas por parte de familias acaudaladas, dio lugar a una nueva visión de la posición social, donde el arte jugó un papel fundamental como medio para demostrar la riqueza.

Del mismo modo, España principalmente y otros países consintieron en financiar importantes viajes de investigación que les redituaron grandes ingresos en oro, plata y piedras preciosas, así como una gran expansión de sus territorios al conquistar américa.

La ética como nueva base de la sociedad

Los valores cristianos de la caridad, la fidelidad, el respeto y la moral, se trasformaron en una concepción más ética de la vida: el amor, la solidaridad, la justicia, el honor y el respeto, entre otros.

Esto permitió a la sociedad avanzar distanciándose un poco de la relación con la iglesia pero manteniendo los ideales y los valores de la vida cristiana, aunque con otro nombre y sin las carga de la salvación, como una base para sustentar la sociedad.

Antropocentrismo sobre el teocentrismo

Gracias al distanciamiento del hombre hacia las cosas de la fe, se realiza una revalorización también del hombre como centro en función a quien se desarrollan todas las cosas. Por ello un interés profundo surge por estudiar al hombre y su relación con el entorno.

Este interés se evidencia particularmente en el modo artístico de presentar al hombre, con su anatomía y sus costumbres.

Pero la fe no se pierde del todo

Si bien hubo un inmenso auge del paganismo en este período, la fe cristiana logró mantenerse en pie y como eje central de la vida de sociedad. La piedad demostrada a través de los donativos y el apoyo al clero permitían mantener una posición de estatus social.

De igual modo muchos artistas fueron contratados para pintar a las familias nobles o ricas en cuadros junto a los santos o en actitud de oración a la Virgen María.

Incluso, a pesar de la influencia pagana en que algunos artistas habían caído, lo que más resalta de este período es la cantidad de obras entre pinturas y esculturas que retratan la piedad cristiana. Desde madonas hasta escenas bíblicas y diversos pasajes de la vida de Cristo que fueron creados por los artistas más célebres.

Unos por encargo y otros por gusto, como los de Rafael; Miguel Ángel o Botticelli. Sin lugar a dudas se trató de un momento de apogeo de los mejores artistas y el Palacio Vaticano goza de este arte es sus salas, estancias y arquitectura.

Es el momento en que la Ciudad del Vaticano adquirió el mayor cúmulo de obras que hoy engalanan sus espacios y que forman parte de su gran riqueza, no económica, sino cultural.

Y así como el Vaticano, gran cantidad de conventos, monasterios, iglesias y catedrales acogieron el arte renacentista para representar en imágenes los momentos más resaltantes de la fe cristiana.

La reforma protestante

El cambio que a nivel religioso tuvo más impacto durante el renacimiento fue en el siglo XVI con la Reforma impulsada por Lutero en el seno de la Iglesia Católica y que tenía como fin propiciar también un cambio, como el renacentista, pero dentro de la forma de practicar la fe.

Lutero era un monje católico que no estaba de acuerdo con la venta de indulgencias ni tantos otros errores que la Iglesia cometía. No obstante, su pensamiento no fue entendido y esto dio como resultado el gran cisma y la separación de Lutero y sus seguidores de la Iglesia.

Así surgió la Iglesia Protestante con nuevas formas de vivir la fe cristiana, y basada en las máximas propuestas por Lutero: solo fe, solo gracia, solo Cristo, sola la Escritura y solo la Gloria de Dios.

Lo más importante de la reforma es que vino a marcar un antes y un después en la forma de vivir la fe cristiana, tanto para los católicos como para la nueva iglesia protestante que surgía.

Importancia del Renacimiento

Como has podido notar, el renacimiento implicó un cambio trascendental en la vida social, cultural, política y religiosa que hasta entonces se practicaba, lo cual sentó las bases para el pensamiento moderno así como las sociedades laicas y libres.

El humanismo surgido durante esta época y el interés por generar nuevos conocimientos dieron el impulso a la ciencia, el estudio y descubrimiento de nuevas especies, la visión del universo, la medicina y muchos avances más que dieron pie a mejorar la vida de los individuos.

De igual modo marcó un cambio total en la visión del hombre frente al mundo. El antropocentrismo permitió al hombre darse cuenta de su poder de razonamiento y la capacidad de cuestionarse sobre las verdades que le habían sido impuestas como dogmas.

De allí la importancia que para el hombre moderno tiene el uso de la razón y la inteligencia para la solución de problemas y poder construir sociedades mejores. El renacimiento permitió al hombre abrirse campo, pensar libremente y avanzar.

Más que un movimiento cultural o un período transformador, el renacimiento puede considerarse el eje central del cambio del mundo antiguo y feudal al mundo desarrollado y mercantil que ahora tenemos.

El cambio fue gradual, un proceso que inició con el arte y terminó por transformar la visión que el hombre tenía de sí mismo, fue un proceso de evolución más que de revolución, pues permitió sentar las bases de la sociedad tal como hoy la conocemos.

¿Te ha resultado de utilidad esta guía? Cuéntanos tu opinión en los comentarios.

Ver También:

• Las Top 40 Mejores Obras Más Representativas del Renacimiento
• Los TOP 40 Mejores Artistas del Renacimiento Que Todo El Mundo Debe Conocer
• TOP 15 Mejores Novelas del Renacimiento Que Tienes Que Leer

El Renacimiento fue un movimiento cultural que inició en Italia a mediados del siglo XIV. Surgió de un proceso de revisión por parte de los pensadores en intelectuales de la época, que veían bastante atrasada la cultura de la sociedad para ese momento.

Estos pensadores iniciaron un trabajo de revisión y estudio de la cultura griega clásica, muy mal estudiada y comprendida hasta entonces, y comenzaron a insertar en sus obras algunos elementos de su arte y filosofía.

Del Renacimiento surgen las grandes obras artísticas que hoy conocemos como la “Mona Lisa” de Da Vinci o el “David” de Miguel Ángel.

Veamos a continuación 40 de las obras más representativas del período renacentista.

Lee también nuestra guía para principiantes sobre el Renacimiento

Obras del Renacimiento

1. Tabla con el Descendimiento

Por: Fray Angélico. Siglo XV

Fray Angélico nace en el año 1387, en un pueblo cercano a Florencia. Esta es la ciudad donde se gesta el movimiento artístico y donde el Renacimiento producirá a varios de sus mejores representantes.

“El Descendimiento” muestra el momento en que Jesús es bajado de la cruz. Esta obra fue compuesta para el convento de San Marcos, en Florencia.

Fray Angélico, monje devoto, pinta considerando que su arte es inspirados por Dios. Con gran visión religiosa incorpora en sus obras una infusión de luz y los elementos aportan un vivo acercamiento a la realidad.

2. Jesús Peregrino

Por: Fray Angélico. Siglo XV

Fray Angélico pinta en un periodo (el Quatrocento). Todo el siglo XV es un camino hacia lo que sería luego el gran apogeo del Renacimiento del siglo XVI. Se van abandonando las formas oscuras y planas, ingresa la luz y la fisonomía humana es mejor evocada.

Esto lo hace también Fray Angélico, quien esboza en sus pinturas la belleza de la naturaleza y los pueblos vecinos para acompañar escenas donde los protagonistas son los santos.

En esta obra, vemos a Jesús como un caminante peregrino, siendo recibido y acogido muy amablemente por los monjes de la orden de los dominicos. Esta obra fue pintada para el convento de San Marcos, en Florencia.

3. Adoración de los Magos

Por: Fray Angélico. Siglo XV

De la obra de Fray Angélico destacan sus rostros serenos y circunspectos, sumidos en la espiritualidad. “La Adoración de los Magos” corresponde a un políptico credo en el Convento de San Marcos y que contiene diferentes escenas de la vida de Jesús

4. Nacimiento de Venus

Por: Sandro Botticelli. Florencia. Siglo XV

 

 

Gran parte de las obras renacentista de Italia tienen lugar en Florencia, región donde grande personajes adinerados y de gustos refinados contratan a los pintores para ser retratados y a su vez para decorar sus espacios.

Entre estos pintores destaca Botticelli, quien retratará a Simonetta Vespucci, amante de Juliano de Médicis, como una Venus provocativa y a su vez inocente, quien se cubre con su cabellera dorada las partes íntimas mientras muestra el resto de su esplendor.

En esta obra Venus surge del mar en una concha marina para saltar a la tierra, con mirada dulce y gesto sensual.

5. La Anunciación

Por: Sandro Botticelli. Siglo XV

Las pinturas de Botticelli forman parte del período cuatrocentista del Renacimiento.

Si bien Botticelli pintaba guiado por esos nuevos aires de libertad del Renacimiento, de gozo de la vida sin complicaciones religiosas, con damas desnudas y sensuales y obras un tanto profanas, luego cambia hacia las obras religiosas.

Botticelli comprende que sus propias obras se oponen en cierto modo a la fe que él mismo profesa, y aunque ya había realizado algunas obras religiosas por encargo, comienza a trabajar profundamente en sus obras el espíritu religioso.

Esto sucedió al ver cómo el impacto de las manifestaciones paganas en el arte generan fuertes disputas y condenas tanto a nivel político como religioso.

De allí, la Anunciación, donde vemos al Ángel presentarse ante María para anunciar el nacimiento del Niño Dios.

No obstante su esfuerzo, las Madonnas de Botticelli seguirán conservando ese aire de doncellas refinadas y  sensuales, un rasgo de este artista, quien no logrará, con su esfuerzo, plasmarlas como Fray Angélico, con toda su espiritualidad y sencillez.

6. Santo Entierro

Por: Sandro Botticelli. Siglo XV

En esta obra vemos el entierro de Cristo, una escena combinada entre el dolor de la Virgen y el amor de María Magdalena y el pesar de los apóstoles. En este punto podría decirse que sus figuras parecen ser víctimas de una emotividad un poco exagerada.

7. El Crucificado con la Virgen y Santos

Por: Pedro Vanucci. El Perugino. Siglo XV

Nacido en Cittá della Piave cerca de Perugia en 1446, conocido como el Perugino.

Pedro Vanucci destacaría por varias de sus obras y por su estilo fino y delicado. Uno de sus frescos más famosos es el de la Crucifixión, en la capilla del convento de Santa María Magdalena de Pazzi, ubicado en la ciudad de Florencia.

El Perugino destaca por la sobriedad de sus santos, las expresiones de sus rostros, sus ropajes con tonos siempre suaves y la mezcla de los colores del atardecer de su región.

8. La Virgen de las Rosas

Por: Leonardo Da Vinci. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Leonardo Da Vinci es un genio de la pintura, la escultura, las letras, la mecánica, la música y otras áreas diversas que le permitían expresar su inteligencia y capacidades. Nació en Italia en 1452, cerca de Florencia.

Toda su obra es representativa del Renacimiento italiano, pero es en sus pinturas donde destacan aún más sus grandes dotes artísticas.

Su capacidad para crear y recrear cada detalle, estudiando detenidamente las formas, la anatomía, las características de la naturaleza y las personas.

La Virgen de las Rocas es una de sus primeras obras y ya en ella se evidencia su capacidad de detalle para plasmar el paisaje y a su vez integrar en él la dulzura y pureza de la Virgen, sentada junto al niño Jesús y su pequeño primo Juan, acompañados por un ángel.

9. El Cenáculo

Por: Leonardo Da Vinci. Siglo: XVI

 

 

 

 

Comúnmente conocido como el cuadro de la Última Cena.

Da Vinci retrata magistralmente la cena de Pascua que Jesucristo compartiera con los apóstoles antes de su crucifixión. Es su segunda obra realizada en Milán y en un fresco realizado en el convento Santa María de las Gracias.

No se sabe cuánto tiempo llevó a Leonardo realizar esta obra, se cuenta que pasaba días frente al fresco sin mover un pincel, ideando y visualizando cómo serían los rostros y las formas. El rostro que más se le dificultó fue el de Jesús.

El fresco detalla una sala y una mesa donde alrededor se encuentran los apóstoles. Jesús inclina la cabeza como si perdonara con antelación a Judas. Sobre el Hijo de Dios recae toda la luz que entra por la ventana central de la pared del fondo.

10. La Anunciación

Por: Leonardo Da Vinci. Siglo XVI

La escena de la anunciación por el Ángel a la Virgen María ha sido retratada muchas veces. En esta oportunidad la Virgen aparece sentada como revisando un texto sagrado, mientras el Ángel (frente a ella) se inclina en reverencia.

11. La Gioconda o Mona Lisa

Por: Leonardo Da Vinci. Siglo XVI

 

Es el retrato de la esposa de Francisco del Giocondo contratado por Da Vinci para pintarla.

Esta obra tomó cuatro años de trabajo y nunca fue concluida. Se cuenta que para crearla, Leonardo hacía rodear a la Gioconda de música que le hiciesen estar tranquila y alegre para poder obtener de ella ese rostro sereno y calmo que se observa.

La obra muestra a una dama serena, sentada y tras ella un paisaje vivo que parece abrazarla. Esta pintura ha resultado una de las más enigmáticas del pintor, pues parece contraponerse la mirada de la dama con su sonrisa.

12. La Transfiguración

Por: Rafael. Siglo XVI

 

Rafael es uno de los más reconocidos representantes del Renacimiento italiano. Formado en la escuela del Perugio, donde aprendió cierto estilo que luego superaría introduciendo elementos más modernos a sus pinturas.

En la obra de “La Transfiguración” (no culminada, pues falleció mientras trabaja en ella) se ve con gran maestría la escena en la que Jesús se trasfigura, y solo Pedor, Elías, Moisés y Juan están presentes.

Más abajo, en la misma pintura, la curación milagrosa de un endemoniado que ocurriera en el mismo instante de la transfiguración. La obra de Rafael fue larga, pintó a la Virgen de diferentes modos y participó también en varias pinturas en el Vaticano.

13. Madonna Sixtina

Por: Rafael. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Creada entre los años 1513 y 1514, se ubica en la fase central del trabajo de Rafael. Esta obra, solicitada por el papa Julio II, es en honor a su difunto tío Sixto IV.

14. Estancias de Rafael. Palacio Vaticano

Por: Rafael. Siglo XVI

En el año 1508, Rafael fue de Florencia (donde residía) a Roma, llamado por el papa Julio II para decorar las estancias donde pensaba colocar su habitación. Fueron tres las estancias pintadas magistralmente por este artista.

En varios frescos, Rafael deja ver su capacidad de interpretación y composición al colocar juntos a los grandes pensadores de la Grecia Antigua, quienes por mucho estudiar no encontraban la paz que solo podía provenir del cielo.

Las estancias están comprendidas por los frescos: Escuela de Atenas y la Discípula del Santísimo Sacramento; la escena del Parnaso y el grupo de juristas de la Jurisprudencia; el incendio del Borgo, no culminada por Rafael sino por sus discípulos.

La idea de estas estancias era condensar todo el conocimiento natural, las ciencias, las artes y la teología en un solo lugar bajo la protección de la Iglesia.

15. La Capilla Sixtina

Por: Miguel Ángel. Siglo XVI

 

Miguel Ángel no quería pintar, era más bien un escultor. No obstante tuvo su acercamiento a la pintura y en él tuvo marcada influencia de Lucas Signorelli.

Miguel Ángel fue llamado a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina del Vaticano, mientras Rafael trabajaba en sus estancias, en el palacio también. Miguel no quería asumir la empresa y tras varias discusiones terminó aceptando más por obligación que por gusto.

En la Bóveda vemos cómo Miguel Ángel subdividió el área, creando arcos figurados y cornisas en perspectivas que le permitieron cuadricular la bóveda.

En cada segmentó dibujó escenas bíblicas desde la creación del mundo, el Edén, el pecado y la expulsión del paraíso, algunos profetas y otras escenas.

Cuatro años demoró Miguel Ángel en la culminación de esta obra, que con gran dificultad realizó prácticamente acostado sobre los andamios de cara el techo. Esta pintura es hoy considerada una de las más grandes.

Esta obra fue revelada al público en el Día de todos los Santos, del año 1512. El papa Julio II celebró la misa ese día en la capilla.

16. Medallón de la Sagrada Familia o “Madonna Doni”

Por: Miguel Ángel. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Una de las Madonnas pintadas por Miguel Ángel retrata a la Sagrada Familia. Pintada sobre madera, es una de las primeras obras pintadas por Miguel Ángel entre los años 1053 y 1054.

17. El Juicio Final

Por: Miguel Ángel. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Veinte años después de inaugurada la capilla Sixtina, Miguel Ángel vuelve al Vaticano a pintar la gran pared de fondo de la misma Capilla y reemplazar así una obra de Perugio.

Esta vez el tono de la obra no es alegre. Las figuras de las personas son más alargadas y la obra es en sí un tanto oscura.

No tiene el colorido de la bóveda y muestra una escena dura donde Jesús aparece en el centro, en lo alto y con fuerza levanta la mano para juzgar a los pecadores, que caen en racimos. A su lado está la Virgen en actitud de súplica, como intercesora.

Esta obra muestra un salvador enojado y da a entender que ni con su propio sacrificio logró Jesús redimir a la humanidad. Esta es una pintura admirada pero con reservas, con duras críticas teológicas y con implicaciones para la fe católica.

18. La Noche Buena

Por: Antonio Allegri, il Correggio. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Si bien su trabajo artístico destaca por la acentuación de los contornos de las formas humanas, en este cuadro un nuevo elemento resalta y se presenta como el primer signo de la aparición del Barroco.

La luz que emana del Niño Divino es totalmente innovadora. Ya la luz no depende del entorno natural, sino que surge del cuerpo del Niño Jesús y desde allí ilumina todo alrededor.

19. La Noche Buena

Por: Carlo Maratta. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En este cuadro, el autor presenta el nacimiento del Niño Dios con la Virgen sosteniéndole en sus brazos, con ternura y sutileza. Lo que más destaca es que, a imitación de la obra de Correggio, toda la luz del cuadro surge también del niño.

Esta iluminación busca representar la luz y la divinidad del Hijo de Dios recién nacido.

20. La Venus Tendida, del Duque de Urbino

Por. Tiziano. Siglo. XVI

Tiziano surge en Venecia, pero luego de avanzar rápidamente en su formación con los grandes del momento como los Bellini, incorpora a sus obras la frescura, el colorido, el rejuvenecimiento del Renacimiento.

La Venus Tendida, pintada por encargo del Duque de Urbino, refleja la sensualidad y la inocencia a su vez del cuerpo femenino. Una dama que espera acostada sus vestimentas, las cuales buscan al fondo de la habitación sus sirvientes.

21. La Asunción de la Virgen

Por: Tiziano. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tiziano no necesita ser un converso católico para captar la esencia de la espiritualidad. El arte tiene esta virtud de compreder la nobleza del espíritu y de la religiosidad. Así, Tiziano retrata la Asunción de la Virgen María, un poco al estilo de “La Transfiguración”, de Rafael.

La Virgen sube sobre una nube al cielo, llevada por los ángeles. Ella arriba en el centro, mientras abajo los discípulos observan.

22. Flora

Por: Tiziano. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Esta obra, pintada entre 1515 y 1517, retrata a la diosa de las flores y de la primavera. Voluptuosa y a su vez dulce y maternal, Flora representa la fecundidad viva de la naturaleza y del matrimonio.

23. El Amor Sagrado y el Amor Profano

Por: Tiziano. Siglo XVI.

En ella se condensan todas las características del arte de Tiziano, la delicadeza de las formas, su sencillez y sensualidad.

Los colores, la claridad que baña el cuerpo de las damas. En la obra se observan dos mujeres, una vestida y la otra desnuda, en el medio de ellas, sobre un sarcófago, el amor que juega con el agua.

¿Alegoría de algún pasaje griego? ¿Representación de las diferencias entre el amor sacramental y el natural? Lo cierto es que Tiziano expresa magistralmente la diferencia entre uno y otro y, al mismo tiempo, da cuenta de que no existe ninguna.

24. Jesús entre los Doctores

Por: Paolo Caliari, El Verones. Siglo XVI

Hacia la segunda mitad del siglo XVI ya se hacía conocer un artista al que llamaban el Veronés.

Una de sus magníficas composiciones es la escena de Jesús entre los doctores del templo. Se ve al Mesías en el centro, totalmente decidido y explicando las Escrituras, alrededor los doctores y asistentes al templo.

Una de las características de la obra del Veronés es su forma de presentar a las figuras protagonistas rodeados de muchas personas que resaltan su función.

25. Las Bodas de Caná

Por: Paolo Caliari, El Veronés. Siglo XVI

En ella aparece Jesús junto a sus díscípulos celebrando la cena de Pascua, pero con el elemento añadido de tener muchos más invitados. En la obra se muestran príncipes y mujeres de la época del Veronés.

Incluso el Veronés y Tiziano se encuentran en la obra junto a un grupo de músicos. Esta composición muestra la tendencia de Caliari de incluir muchas personas en la escena.

26. La Cena de Jesús en la Casa de Leví

Por: Paolo Caliari, El Veronés. Siglo XVI

 

Una composición en la que la historia bíblica se halla libremente interpretada, pues no se apega por completo al texto, incluso, la figura de la Magdalena ha sido sustituida por la de un perro.

Esta obra le costó a Caliari un juicio ante la Inquisición, de la cual salió librado bajo gran indulgencia de la corte eclesiástica.

27. La Asunción de la Virgen

Por: Giuseppe Robusti, el Tintoretto. Siglo XVI

En la segunda mitad del siglo XVI surge la obra del Tintoretto, admirador de Miguel Ángel por el dibujo y de Tiziano por el color.

Sus obras no tuvieron en su momento el impacto que causan hoy. Su destreza para destacar la luz y presentarla en espacios dónde la naturaleza no tenía cabida es maravillosa.

Unas de sus principales obras es La Asunción de La Virgen, donde María destaca no entre nubes, sino elevándose hacia el cielo entre los discípulos.

28. Las Bodas de Caná

Por: Giuseppe Robusti, el Tintoretto. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

El Tintoretto recreó también las Bodas de Caná. Esta representación, muy diferente a la del Varonés, aunque incorpora muchas personas, es más adaptada al Evangelio. Muestra a Jesús en la mesa del banquete junto a su madre y los invitados.

29. Figura de Adán

Por: Alberto Durero. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Del año 1507 data esta obra, retrato de Adán en el Edén. Muestra del Renacimiento que afloraba en Alemania a principios del siglo XVI y antes de la Reforma.

Durero no solo pintaba, sino que hacía grabados en cobre. Era también admirado por Rafael y Miguel Ángel.

30. Figura de Eva

Por: Alberto Durero. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

Así como la de Adán, Durero retrata la figura de Eva en el Edén, siendo ya tentada por la serpiente. Destaca en ambas obras la luz con la que resplandecen los cuerpos, la naturalidad del dibujo que parece captarles en movimiento.

31. El Altar de Todos los Santos

Por: Alberto Durero. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Del año 1511 surge esta pintura de Durero. Destaca en ella la visión católica del Reino de los Cielos, con Cristo crucificado en brazos de Dios Padre, y sobre ellos (en forma de paloma) el Espíritu Santo. Esta es una muestra bastante clara de la Santísima Trinidad.

Alrededor en el cielo y subiendo hacia él, los ángeles y santos y el pueblo peregrino de la Iglesia que sube al encuentro del Señor.

32. Retablo de la Catedral de Valencia

Por: Fernando Yáñez de la Almedina y Fernando o Hernando de los Llanos. Siglo XVI

Es una de las obras más destacadas del período renacentista en España. Sus autores tienen  influencia de los pintores cutrocentistas italianos. El retablo tiene en cada puerta oleos con diferentes etapas de la vida de Jesús y de la Virgen, como la adoración de los pastores, de los Magos y la resurrección.

33. Santa Catalina

Por: Fernando Yáñez de la Almedina. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pintada entre 1505 y 1510 y aún bajo marcada influencia de Da Vinci, la obra de Yáñez muestra también elementos caraterísticos del Renacimiento español, como los estilos arabescos de los ropajes, la arquitectura, entre otros.

34. La Última Cena

Por: Vicente Juan Macip conocido como Juan de Juanes. Siglo XVI

Artista hijo de Vicente Macip, también pintor renacentista. Juan de Juanes se hizo famoso por obras como esta de la última cena, donde destaca de modo especial a Jesús con la Eucaristía en su mano, señal de su inmolación como el cordero.

La obra de Macip tiene influencia de Rafael y Leonardo.

35. Virgen con Niño

Por: Luis de Morales. Siglo XVI

De 1570 data esta obra, de manos de uno de los exponentes más representativos de Renacimiento español:Luis de Morales . Está cargada de elementos religiosos producto de la marcada influencia del catolicismo en España y de la contrarreforma.

36. Retrato de la Infanta Isabel Clara Eugenia

Por: Alonso Sánchez Coello. Siglo XVI

Sánchez Coello fue uno de los pintores del Renacimiento que tuvo mayor fama como retratista. Su obra conserva rasgos de los detalles de la pintura flamenca, pero a su vez muestran marcada influencia de Tiziano.

37. Degollación de Santiago

Por: Juan Fernández de Navarrete, apodado el mudo. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Su trabajo destaca por el juego de la luz con la que va experimentando diversas tonalidades y se haya cargado también de elementos religiosos. Es escogido para pintar grandes obras para la Basílica de San Lorenzo.

38. El Expolio de Cristo

Por: El Greco. Siglo XVI

Hacía finales del siglo XVI llega a España el Greco, oriundo de Creta, luego de tener una vida de formación en su país de origen, de estar en Italia y de haber conocido la obra de los grandes del Renacimiento.

En España realiza esta segunda versión del Expolio de Cristo, entre 1577 y 1579 para la Catedral de Toledo.

39. La Trinidad

Por: El Greco. Siglo XVI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Uno de los lienzos creados por el Greco para el monasterio de Santo Domingo de Silos en Toledo. Una de las obras más representativas de su madurez artística, donde sus trabajos tienen colores vivos y están llenos de fervor religioso.

40. El Entierro del Conde de Orgaz

Por: El Greco. Siglo XVI.

 

 

 

 

 

 

 

 

Pintura maestra del artista Cretense del año 1588. En ella los planos celestiales y terrenos se encuentran intercomunicados.

Esta obra rememora el milagro que ocurriera en 1323 durante el entierro del conde de Orgaz, cuando San Agustín y San Esteban bajan del cielo y lo entierran con sus manos.

El Renacimiento tuvo su gran apogeo en Italia en el Siglo XVI y se extendió por toda Europa. Tuvo sus inicios en Florencia en el siglo XV y ha sido uno de los movimientos culturales con mayor influencia a nivel religioso, político y económico.

¿Te ha sido de utilidad este artículo? No olvides dejarnos tu opinión sobre estas importantes obras renacentistas en los comentarios.

 

Ver También:

• Los TOP 40 Mejores Artistas del Renacimiento Que Todo El Mundo Debe Conocer
• TOP 15 Mejores Novelas del Renacimiento Que Tienes Que Leer
• Top 10 Obras Literarias Del Renacimiento Que Tienes Que Leer

La siguiente lista comprende a los 40 artistas renacentistas más destacados y que crearon el estilo que floreció conjuntamente con la música, ciencia, filosofía y la literatura alrededor del siglo XV.

También hablaremos de los pormenores de cada uno junto con información destacada y alguno que otro dato importante. Se encuentran organizados basándose en su popularidad, lo que quiere decir que el más famoso y destacado va en el primer lugar.

¿Puedes predecir los tres primeros? Si no estás de acuerdo con el acomodo, te invito a que dejes tus apreciaciones en la zona de comentarios. Empecemos.

Lee también nuestra guía para principiantes sobre el Renacimiento

Número 1: Leonardo da Vinci

Ubicado en el primer puesto, sin mucha objeción, debido a que fue el polímata (maestro en varias disciplinas) más completo del que se tenga registro.

Es considerado la persona de talento múltiple más extraordinaria que ha pisado la tierra, además del pintor más sorprendente que se conoce.

Nació en Vinci, Italia, en 1452 y fue un sublime pintor, escultor, botánico, músico, arquitecto, inventor, matemático, ingeniero, anatomista, geólogo, cartógrafo y escritor italiano.

Con tantos intereses no era de extrañar que muy pocas de sus pinturas fueran completadas.

Da Vinci personifica el ideal del hombre renacentista con una curiosidad ilimitada y una imaginación vivida y libre de paradigmas. Fue un genio que no conoció límites y la profundidad de sus intereses no tenía precedente.

Obras de Arte más Destacadas:

“Mona Lisa”, “Baco”, “La Última Cena”, “La Anunciación”, “La Dama y el Armiño” y muchas más.

Leonardo está asociado al período del Alto Renacimiento y se considera como de nacionalidad florentina. Se desarrolló en el arte por medio de la pintura, el dibujo e hizo un poco de escultura.

Está clasificado en varias listas de los mejores 100:

• Primer lugar como la mejor mente que ha existido
• Tercer lugar en personajes que la gente desearía que estuviera todavía vivo
• Cuarto lugar en las personas más influyentes de todos los tiempos
• Lugar número ochenta y tres en mejores escritores de todos los tiempos

Un genio difícil de igualar, ¿no crees?

Número 2: Miguel Ángel

Nació en Caprese, Italia en 1475 y fue bautizado como Michelangelo Buonarroti. Un renombrado escultor, pintor, poeta, arquitecto e ingeniero del Alto Renacimiento.

Su influencia todavía se puede observar en el desarrollo occidental en nuestros días y fue considerado como el mejor artista vivo en su época, título nada sencillo de lograr, pues vivió en los días de Da Vinci.

Hoy su genio es celebrado como uno de los mejores de todos tiempos. Incursionó principalmente en la pintura, la escultura y el dibujo.

Fue un muy diestro arquitecto y, a menudo, considerado como el arquetipo del Renacimiento, aunque rara vez se alejó de las artes.

Obras de Arte más Destacadas:

“La Creación de Adán”, el “Techo de la Capilla Sixtina”,” Pietà”, “Baco”, el “David” y muchas más.

Aunque Miguel Ángel está asociado al período del Alto Renacimiento, también se le clasifica en los movimientos del Renacimiento italiano y clásico.

Está clasificado en varias listas de los mejores 100:

• Doceavo lugar en las mentes más brillantes que han existido
• Número 34 en personajes que las personas desearían que estuviera todavía vivo
• Número 35 en las personas más influyentes de todos los tiempos
• Número 63 en los mejores autores gay

Número 3: Raphael

Pintor y arquitecto italiano, nacido en 1483 en Roma, con el nombre de Raffaello Sanzio da Urbino. Muy afamado en el período del Alto Renacimiento.

De su obra resalta la claridad de la forma, el logro visual, la facilidad de la composición y el ideal neoplatónico de la belleza humana que trata resaltar la hermosura interior de las personas y las cosas.

Junto con Miguel Ángel y Da Vinci completa la trinidad tradicional de los maestros del Renacimiento, a pesar que su vida fue muy corta ya que murió a los 37 años.

Artista extremadamente prolífico que dejó un enorme legado. Una gran cantidad de sus obras se encuentra en el Palacio del Vaticano, donde las “Abitaciones de Rafael” fueron su trabajo central.

Obras de Arte más Destacadas:

“La escuela de Atenas”, “Galatea”, “Aldobrandini”, “Madonna”, “San Jorge y el Dragón”, “La bella Jardinera” y muchas más.

Rafael está asociado con los tres movimientos renacentistas: El alto, el italiano y el período del Renacimiento clásico.

Está clasificado en varias listas de los mejores 100:

• En el número 57 de las mentes más brillantes que han existido
• En el número 86 de las personas más sobresalientes de todos los tiempos en la historia

Número 4: Donatello

Nació en 1386 (Florencia, Italia) con el nombre de Donatello Donato Bardi. Junto con Masaccio, Battista Alberti y Brunelleschi es considerado como uno de los padres del Renacimiento, debido a su obra escultórica y hermosas pinturas.

Se destacó en la escultura y sus mejores obras son de tamaño colosal con un tratamiento de relieves, dónde lograba representar una profundidad extraordinaria en un mínimo plano.

Esta técnica, creada por él, fue llamada sticciato, “relieve aplastado”, el cual lo lanzó a la fama.

Su primer trabajo documentado se encuentra todavía en la catedral de Santa María Fiore en Florencia y se trata de “El David de mármol”. Una extraordinaria obra que realizó con tan solo 22 años de edad.

Obras de Arte más Destacadas:

“El David de Bronce”, en el museo de Bargello; “La estatua ecuestre de Gattamelatta de Padua”, el “Púlpito exterior de la catedral de Prato y la María Magdalena penitente.

Donatello está asociado a los movimientos del Renacimiento italiano y en el clásico, destacándose principalmente en la escultura y el dibujo.

Número 5: Sandro Botticelli

Su fama lo llevó a ser uno de los cinco artistas elegidos por el papa Sixto IV para adornar la Capilla Sixtina en 1481 y esta notoriedad, no se ha desvanecido con el paso del tiempo.

Nació bajo el nombre de Alessandro di Vanni Filipepi y fue apodado Sandro Botticcelli. Mote derivado del diminutivo de su nombre propio y el apodo de su hermano mayor al que llamaban botija, debido a que estaba bastante pasado de peso.

Fue el pintor favorito dentro de la Edad de Oro Florentina y muy popular en la corte de Lorenzo de Médicis, en siglo XV.

Obras de Arte más Destacadas:

“La Navidad Mística”, “El Nacimiento de Venus”, “Madonna”, “El niño y dos ángeles”, “Primavera”, la “Madonna del Padiglione” y varias más.

Botticelli está asociado a los movimientos del Renacimiento italiano, el clásico, el del Alto Renacimiento y en la Escuela florentina, destacándose principalmente en la pintura.

Número 6: Tiziano

Este pintor italiano nació en el seno de una familia acomodada y se convirtió en el miembro más importante de la escuela veneciana en el siglo XVI.

Uno de los pintores más versátiles fue llamado por sus contemporáneos “el sol entre pequeñas estrellas”, ya que sobresalió en su destreza con todo tipo de pinturas, entre ellos retratos, paisajes, mitología, etc.

Obras de Arte más Destacadas:

“Asunción de la Virgen”, “Entierro de Cristo”, “Concierto pastoral”, “Venus y Adonis” y varias más.

Tiziano está asociado a los movimientos del Renacimiento italiano, el clásico y el Alto Renacimiento. Se destacó, sobre todo, en la pintura.

Número 7: Filippo Brunelleschi

Arquitecto, ingeniero, orfebre y escultor italiano, nacido en 1377, en la ciudad de Florencia. Principal exponente de la arquitectura renacentista y muy famoso por la perspectiva lineal que utilizaba. Su obra cumbre fue sin duda alguna la cúpula de la catedral florentina.

También fue matemático, biólogo, practicó activamente en la escultura e incluso diseño barcos.

Obras más Destacadas:

“El Hospital de los Inocentes”, “La Iglesia de Santa Felicia” (Florencia). En escultura, el Altar completo de Argenteo de San Jacopo” (en la catedral de Pistoia).

Brunelleschi está asociado especialmente al movimiento del Renacimiento clásico y es famoso, principalmente, por sus obras escultóricas, aunque su habilidad arquitectónica sorprende hasta nuestros días.

Número 8: Albrecht Dürer

El primer artista alemán de nuestra lista y en definitiva el más famoso del Renacimiento de su país. Fue más coloquialmente reconocido como Alberto Durero y se destacó como un gran pintor, matemático, grabador y teórico.

Nació en 1471, en la ciudad Núremberg, y no tardó mucho en ser reconocido por la alta calidad de su trabajo. Ya a la edad de 20 era famoso en toda Europa y fue bastante prolífico.

Su obra incluye retablos, obras religiosas, autorretratos, grabados en madera y cobre, además de retratos de gente importante de la época.

Obras más Destacadas:

“Altarpiece of Ober-St. Veit”, “Cristo entre los doctores”, “Autorretrato”, “Los cuatro apóstoles”, “San Jerónimo en su estudio” y más.

Número 9: Giotto

Nacido en 1267 (Florencia, Italia) en el seno de una familia de campesinos.

Giotto Di Bondone se convirtió en un notable pintor y arquitecto italiano. Fue el primer artista en superar las tendencias bizantinas para causar la revolución artística del Renacimiento.

Obras más Destacadas:

“La Adoración de los Magos”, “La huida de Egipto”, “San Francisco de Asís recibe los estigmas, “Nacimiento de Jesús”, “Virgen en Gloria” y muchas otras.

Giotto está relacionado con el movimiento del Renacimiento clásico y el arte gótico y se destacó, primordialmente, con sus pinturas y frescos.

Número 10: Caravaggio

Pintor italiano nacido en 1571 en Milán. Su obra se caracteriza por la observación realista humano, tanto en el plano físico como en el espiritual. Se define por un uso muy dramático de la luz, lo que contribuyó enormemente a la pintura barroca.

Fue muy activo en las ciudades de Roma, Malta y Sicilia, donde se puede encontrar una gran parte de su trabajo en iglesias y palacios.

Obras más Destacadas:

“Cena en Emaús”, “Medusa”, “Londres”, “Baco”, “El llamado de San Mateo” y muchas más.

Caravaggio está vinculado al movimiento del Renacimiento clásico y el Barroco, destacándose principalmente en la pintura.

Número 11: Hieronymus Bosch

Conocido por sus fantásticas imágenes, narraciones morales y religiosas junto con paisajes detallados e ilustraciones de conceptos, el Bosco nació en el ducado de Brabate (en lo que actualmente se conoce como los Países Bajos) en 1450.

Viajó bastante durante su vida, esparciendo su legado a través de España, Austria y los Países Bajos. Con un estilo pesimista y fantástico, especialmente representado en sus obras pesadillescas del infierno.

Obras más Destacadas:

“Los siete pecados capitales y las cuatro últimas cosas”, “El jardín de las delicias”, “Cristo coronado de espinas”, “Alegoría de la gula y la lujuria”, “Crucifixión con un Donato” y más.

El Bosco está asociado principalmente al movimiento del Renacimiento clásico y al Barroco.

Número 12: Jan van Eyck

Nació en Bélgica. Es el artista renacentista de siglo XV más importante de su país. La mayor parte de su trabajo se encuentra en Brujas, pero desgraciadamente solo sobreviven alrededor de 25 hasta nuestros días.

Por motivos históricos y políticos, es considerado un pintor flamenco. Pero el dato más curioso de este artista es que por muchos años le fue atribuida la invención de la técnica pictórica del óleo.

Aunque no estamos completamente seguros de ello, sí podemos afirmar que es el padre del perfeccionamiento del manejo de óleo como hoy lo conocemos.

Obras más Destacadas:

“La Anunciación”, “Madonna del canciller Rolin”, “Lucca Madonna”, “El matrimonio Arnolfini”, entre otras.

Número 13: Tintoretto

Oriundo de Venecia (1518). Se trata de un importante exponente del Renacimiento. Su obra maneja una gran energía, lo que le hizo ganar el apodo de Il Furioso.

Las figuras en su obra son generalmente musculosas con gestos dramáticos. Maneja la luz y el color de la manera típica veneciana.

Obras más Destacadas:

“Cristo Lavando los Pies de los Discípulos”, “La Coronación de la Virgen”, “La Última Cena”, “El Origen de la Vía Láctea”, entre muchas más.

Número 14: Masaccio

Tommaso di Ser Giovanni di Simone, mejor conocido como Masaccio, fue el primer gran pintor italiano del período Quattrocento del Renacimiento italiano.

Reconocido como el mejor pintor de su generación, debido a una gran habilidad para crear movimientos realistas.

Muere muy joven, a la edad de 26 años, pero el poco tiempo que vivió le bastó para dejar su marca en las artes e inspirar a una infinidad de artistas, además de que se le considera el verdadero creador del movimiento renacentista.

Obras más Destacadas:

“San Pedro curando a los enfermos con su sombra”, “la Virgen con el Niño”, El dinero del tributo, “Retrato de un joven”, “Crucifixión” y otras más.

Masaccio está asociado al movimiento del Renacimiento clásico y el italiano, destacándose con sus frescos y sus pinturas.

Número 15: Giovanni Bellini

Nacido en Italia en 1430, dentro de una familia de artistas. Giovanni Bellini se considera como un revolucionario entre los pintores venecianos, cambiando el movimiento a una manifestación colorida y sensual.

Su técnica incorporó pinturas traslucidas y un secado lento. Creó tintes profundos y llenó su trabajo de matices y detalles.

Obras más Destacadas:

“Madonna del Prato”, “Retrato de Dogo Leonardo Loredan”, “Agonía en el jardín”, “La fiesta de los dioses”, “La presentación en el templo”, etc.

Bellini está vinculado al movimiento del Renacimiento clásico y la escuela veneciana, destacándose con sus pinturas.

Número 16: Paolo Veronese

Miembro de uno de los grandes tríos junto con Tiziano y Tintoretto que dominaron la pintura veneciana del Quinquecento durante el siglo XVI.

Nacido en Verona, ciudad que dio origen a su mote, en 1528 rápidamente saltó a la fama con temas mitológicos y religiosos que se distinguieron por su colorido supremo en su juventud y algo naturalista en la segunda parte de su vida.

Se convirtió en la figura predominante de la pintura veneciana de su generación, caracterizándose por su paleta delicada pero suntuosa, donde predominaban los azules, naranjas, plateados y blancos.

Obras más destacadas:

“Las bodas de Caná”, “Cena en la casa de Levi”,”La familia de Darío”,” Cristo entre los doctores”, “La Virgen y la familia Cuccina” y muchas más.

El Veronés está vinculado con el movimiento del Renacimiento clásico y se destacó en la disciplina pictórica.

Número 17: Filippo Lippi

Pintor italiano perteneciente al Quattrocento renacentista. Fue uno de los pocos frailes carmelitas a quien se le permitió desenvolver su arte.

Nació en 1403, y siendo huérfano, ingresó a la Iglesia, donde desarrolló una gran cantidad de temas religiosos y frecuentemente aparece con el hábito de su congregación.

Hoy podemos disfrutar de sus obras en Prato, donde todavía sobreviven los “Frescos de San Juan Bautista” y “San Esteban en la catedral”.

Obras más Destacadas:

“La Virgen y el niño con dos ángeles”, “Coronación de la virgen”, “La adoración en el bosque”, “Madonna con el niño en el trono”, entre otras.

Lippi está asociado al movimiento del Renacimiento clásico y el italiano, destacándose sobre todo por sus frescos y pinturas.

Número 18: Hans Holbein el Joven

Arista y grabador alemán que manejó en el estilo renacentista del norte. Fue reconocido como uno de los mejores retratistas del XVI, aunque también realizó arte religioso, propaganda de la Reforma y sátira.

Además, contribuyó significativamente al diseño actual de los libros.

Su padre también fue un consumado pintor, por ello se le llama “el joven”. Se especializó en murales, vidrieras y cuadros religiosos.

Obras más Destacadas:

“Noli me Tangere”, “Retrato de Robert Cheseman”, “Los Embajadores”, “Retrato de Enrique VIII”, “Autorretrato”, etc.

Holbein está asociado especialmente al movimiento del Renacimiento del norte, destacándose en la pintura.

Número 19: Hans Holbein el Viejo

Pintor alemán, padre del artista en el inciso anterior, perteneciente al movimiento Gótico internacional y se destacó principalmente en la pintura.

Obras más Destacadas:

“Basílica de San Pablo”, “Basílica de Santa María”, “Fuente de la vida”, “Altar de San Afra y el de Santa Catalina”, entre otras.

Número 20: Pieter Bruegel el Viejo

Considerado como el mejor pintor holandés del siglo XVI y fundador de la dinastía de pintores Brueguel.

Obras más Destacadas:

“Los cazadores en la nieve”, “Los proverbios flamencos”, “La boda campesina”, entre otros.

Número 21 Pisanello

Artista nacido en Pisa, en el año de 1395. Es reconocido por ser uno de los más distinguidos del Renacimiento y el Quattrocento italiano temprano.

Aclamado por sus contemporáneos. Es ilustre por sus resplandecientes murales, miniaturas y retratos.

Obras más Destacadas:

“Retrato de una princesa”, “Retrato de Sigismund de Luxemburgo”, “La virgen de las codornices”, entre otras.

Pisanello está relacionado con el movimiento del Renacimiento y el gótico internacional, destacándose por sus pinturas y sus frescos.

Número 22: Antonio del Pollaiolo

Nació en Florencia en 143. Se convirtió en un afamado escultor, pintor, orfebre y grabador italiano durante el Renacimiento. Una de sus maestrías es retratar el cuerpo humano en movimiento, lo que fue una gran contribución al período del renacentista.

Obras más Destacadas:

“Batalla de los desnudos”, “Retrato de una joven”, “Apolo y Dafne”, entre otros.

Número 23: Antonio da Correggio

Antonio Allegri fue un artista italiano nacido en 1489. Es reconocido como el pintor más destacado de la escuela de Parma durante el Renacimiento italiano. Sus obras se caracterizan por ser vigorosas y de las más sensuales en el siglo XVI.

Su obra influenció a artistas posteriores de su muerte y realmente prefiguró el arte rococó dos siglos después.

Obras más Destacadas:

“Noli Me Tangere”, “Asunción de la virgen”, “La educación de Cupido”, “Leda con el Cisne”, “Danae” y muchas más.

Correggio perteneció al movimiento del Alto Renacimiento, el clásico y a la escuela veneciana, destacándose por sus pinturas y sus frescos.

Número 24: Paolo Uccello

Pintor y matemático, nacido en Italia, Florencia, en 1397. Es considerado como el pionero de la perspectiva visual de arte. Tenía una clara obsesión por la ella y muchas veces lo privaba de comer o beber por días tratando de captar el punto exacto.

Usó la perspectiva para crear profundidad en su trabajo, y no como hasta esa época, solo para narrar historias sucesivas.

Obras más Destacadas:

“Monumento Funerario a Sir John Hawkwood”, “Niccolò Mauruzi da Tolentino en la Batalla de San Romano”, “El Contraataque de Michelotto da Cotignola en la Batalla de San Romano”, “Retrato de una Dama”, y ​​más.

Uccello perteneció al movimiento del Renacimiento, destacándose por sus pinturas y sus frescos.

Número 25: Giorgio Vasari

Un importante arquitecto, historiador, escritor, escultor y pintor florentino, nacido en 1574. Considerado por muchos como el fundador ideológico de la escritura histórica-artística.

Participó en el Quinquecento y es más conocido en la historia del arte por su libro “Las vidas”, donde escribió acerca de otros artistas del Renacimiento italiano.

Obras más Destacadas:

“Cronus (Saturno) derrota a su padre Urano”, “La tentación de San Jerónimo”, “La deposición de la cruz”, entre otras.

Número 26: Lorenzo Ghiberti

Artista florentino del Renacimiento temprano. Nació en 1378. Es mayormente conocido como el creador de las puertas de bronce del Baptisterio de su ciudad natal, a las que, por cierto, Miguel Ángel llamó los portones del paraíso por su belleza.

Se formó como orfebre y escultor y manejó en vida un importante taller de metales y esculturas. También es el dueño de lo que puede ser la biografía más antigua de cualquier artista debido a su libro “Commentari”.

Obras más Destacadas:

“El sacrificio de Isaac”,” La Anunciación”, “La Adoración de los Magos”, “Pilato de lava las manos”, entre otras.

Ghiberti está asociado al movimiento del Renacimiento, resaltando por sus esculturas y bronces.

Número 27: El Greco

Artista español, originalmente nacido en Creta en el año de 1541. Fue bautizado bajo el nombre Doménikos Theotokópoulos, pero rápidamente fue reconocido por su apodo, el cual hacía referencia a su origen griego.

Aunque en aquellos años la isla pertenecía a la república de Venecia, cuna de los más afamados artistas renacentistas, desarrolló su genio y peculiar estilo en España.

Se entrenó en el arte bizantino, y ya siendo maestro a los 26 años, viajó a Venecia para especializarse. Tres años más tarde abrió un taller en Roma, dónde comercializó exitosamente su trabajo.

Obras más Destacadas:

“La Santísima Trinidad”, “El entierro de conde de Orgaz”, “San Martín y el mendigo”, “La Pietà”, y muchas más.

El Greco está asociado al manierismo y al Renacimiento español, resaltando por su obra escultórica y sus pinturas.

Número 28: Andrea Mantegna

Yerno de Bellini, el número 15 de esta lista, fue un pintor italiano nacido en 1431 en la ciudad italiana de Mantua. Junto con otros artistas de la época, experimentó con la perspectiva. Solía bajar la línea del horizonte para crear un efecto de monumentalidad.

Gustaba de un estilo escultórico dentro de su pintura y manejó un taller muy exitoso que se convirtió en el principal productor de grabados en Venecia.

Obras más Destacadas:

“La Adoración de los Magos”, “La Virgen de los querubines”, “San Sebastián”, “La Presentación”, “La Lamentación de Cristo” y otras más.

Mantegna perteneció a la escuela de Padua y al Renacimiento italiano, destacándose por sus frescos y pinturas.

Número 29: Pietro Perugino

Nacido en Italia en 1446 fue un pintor renacentista del Quattrocento que seguía la escuela de Umbría. Maestro de Rafael de Sanzio desarrolló algunas características que le dieron forma a la expresión clásica del alto renacimiento.

Obras más Destacadas:

“Entrega de las llaves a San Pedro”, “Retrato de Lorenzo di Credi”, “Combate de amor y castidad”, “Annunziata Polyptych”, “La Virgen aparece en San Bernardo”, entre otras.

Perugino está asociado al movimiento del Renacimiento italiano, destacándose por sus pinturas y frescos.

Número 30: Andrea Solari

 

Artista milanés nacido en 1460. Fue miembro de la escuela renacentista italiana. Es un poco complicado seguir su huella, ya que cambió varias veces de nombre.

Al inicio de su carrera se le conoció como Andre Gobbo, lo que fue confuso, puesto que compartía el apelativo con dos colegas. Puedes encontrar sus obras bajo ese nombre.

Su obra maestra es “La Virgen del cojín verde”.

Número 31: Pieter Brueghel el Joven

Nacido en 1564, en Bruselas. Hijo del número 20 de esta lista. Fue un reconocido pintor flamenco que ganó fama al principio de su carrera por realizar numerosas copias del trabajo de su padre. Después a estas se fueron anexando sus composiciones originales.

Eventualmente fue apodado “Hell Brueghel” (“Infierno”), debido a que en su trabajo abundaba el fuego y estaba plagado de imágenes grotescas.

Obras más Destacadas:

“La Virgen con el Niño”, “San Juan en una guirnalda de flores”, “Construcción de la Torre de Babel”, “Alegoría de la guerra”, “Naturaleza muerta del Santo parentesco”, “Feria de la aldea”, entre otras.

Número 32: Cosimo Tura

Pintor italiano nacido en 1430 y considerado como el precursor de la escuela renacentista de Ferrara. Por años fue el pintor de cabecera de los duques de Ferrara.

Además de desempeñarse como pintor fue escenógrafo y dibujó tapices. Influyó notablemente en el estilo del Quattrocento. Sus pinturas se caracterizan por ser fastuosamente decoradas y sus figuras cuentan con un plasticismo casi escultórico.

Obras más Destacadas:

“La circuncisión de Cristo”, “Duquesa de Ferrara”, “Madonna en un Trono”, “Madonna y Niño”, “Retrato Eleonora d’Aragona”, “Pieta” y muchas más.

Número 33: Albrecht Altdorfer

Artista alemán nacido en 1480. Considerado como el principal representante de la escuela del Danubio, donde se destacó como pintor, arquitecto y grabador.

Se caracterizó por plasmar sus temas bíblicos e históricos sobre paisajes muy coloridos y expresivos. Sus grabados son muy detallados, lo que lo coloca entre los Maestros de Núremberg.

Su obra cumbre es La batalla de Alejandro Issus, donde el protagonista principal es el cielo tempestuoso que le da al paisaje los rasgos tan típicos de su estilo.

Número 34: Federico Barocci

Nacido en Urbino en 1535. Conocido como Federico Fiori. Ees un pintor y grabador del Renacimiento, altamente reconocido por su técnica.

La luz de sus pinturas parece disolverse y algunos piensan que en ciertos trabajos suyos se puede entrever un toque de impresionismo.

Siempre vivió alejado de las grandes ciudades, donde cultivó el grabado. Su carácter apacible pero fuerte le regala el apodo por el que es conocido, “barocci” (carro de dos ruedas jalado por bueyes). Su trabajo fue muy estimado e influyente.

Obras más Destacadas:

“Madonna del Popolo”, “La Natividad”, “El descanso en la huida a Egipto”, “Francesco II Della Rovere”, “La circuncisión” y muchas más.

Barocci está asociado al movimiento Barroco y al Renacimiento, resaltando por su técnica pictórica.

Número 35: Benvenuto Cellini

Escultor, pintor dibujante, orfebre, músico, soldado y escritor florentino. Nació en el año de 1500. Una de sus obras más importantes increíblemente no fue pictórica, sino una biografía que tuvo mucho éxito.

Fue uno de los exponentes más importantes del Manierismo. Pero su trabajo labrado (joyas, monedas y floreros) fueron exquisitos.

Obras más Destacadas:

“The Nymph of Fountainebleau”, “Cellini Salt Cellar”, etc.

Número 36: Lucas Cranach el Joven

Nacido en Wittemberg, Alemania, en 1515. Desde muy temprano trabajó en el taller de su padre, tomando responsabilidad del mismo a los 30 años, cuando su progenitor siguió a su patrón al destierro por causas políticas.

Aunque dividió su atención entre la política y el arte, se encuentra situado entre los mejores 10 maestros del Renacimiento alemán y es reconocido por sus pinturas y xilografías (grabados en planchas de madera).

Número 37: Matthias Grünewald

Pintor renacentista alemán nacido en 1470. Principalmente pintó obras religiosas sombrías y llenas de sufrimiento, emulando el arte centro europeo tardío medieval.

Muy poco de su trabajo se conserva a la fecha, debido a que mucho se perdió en el Báltico como botín de guerra.

Muchas de sus obras fueron atribuidas por años a su paisano Alberto Durero, ya que ambos representan los máximos exponentes del Renacimiento del norte de Europa.

Pero las diferencias estéticas de los estilos de cada uno, eventualmente, otorgaron la autoría a su verdadero dueño.

La obra de arte de Matthias Grünewald es sin dudas El Retablo de Isenheim, que está formado de nueve paneles representando a la crucifixión en el principal.

Número 38: Isaac van Swanenburg

Nacido en los Países Bajos en 1537. Fue un gran pintor renacentista y vidriero holandés. Muy envuelto en la política fue alcalde de Laiden en por lo menos cinco ocasiones. Reconocido por sus paisajes citadinos y del infierno.

Su obra maestra fue “El sitio de Bethulia”.

Número 39: Michelozzo

Michelozzo di Bartolomeo Michelozzi fue un arquitecto y escultor florentino nacido en 1396.

En su juventud colaboró con Donatello. Trabajó el mármol, el bronce y la plata en su faceta como escultor. Incluso una de sus obras, “La estatua de san Juan Bautista”, adorna la entrada de la catedral de Florencia.

Su obra arquitectónica cumbre fue el Palacio de los Medicis.

Número 40: Bernardino Butinone

Nació en Treviglio, Italia, en el año de 1450. Se convirtió en un importante pintor renacentista. Trabajó principalmente en Milán y puedes encontrar muestras de su obra en la Capilla Grifi en San Pietro in Gessate.

Su pintura maestra es un políptico (cuadro compuesto de varias tablas con pinturas) de san Martín, “La huida de Egipto y el Descenso de la cruz.

Tuvo una vida holgada y gozó de buenas influencias, pero en su madurez ingresó a un convento franciscano y se dedicó a la iluminación de códices.

 

Ver También:

• Los TOP 40 Mejores Artistas del Renacimiento Que Todo El Mundo Debe Conocer
• TOP 15 Mejores Novelas del Renacimiento Que Tienes Que Leer
• Top 10 Obras Literarias Del Renacimiento Que Tienes Que Leer